La película venezolana “Pelo Malo”, dirigida por Mariana Rondón, narra la conmovedora historia de Junior, un niño de 9 años que vive en un barrio popular de Caracas junto a su madre Marta, una joven viuda, y su hermano bebé. La trama se desarrolla alrededor del deseo obsesivo de Junior por alisarse su cabello rizado, al que despectivamente se refieren como “pelo malo”, para lucir diferente en la foto del anuario escolar. Este aparentemente simple deseo desencadena una serie de tensiones en la relación con su madre, quien ve con preocupación y rechazo los comportamientos que considera afeminados en su hijo. Marta, quien trabaja como guardia de seguridad y lucha diariamente por la supervivencia económica de su familia, se encuentra atrapada entre sus propios prejuicios y el amor por su hijo. La película aborda de manera magistral temas profundos como la discriminación racial internalizada en la sociedad venezolana, la búsqueda de identidad en la niñez, los roles de género y las complejidades de las relaciones familiares en un entorno urbano empobrecido. A través de la mirada inocente de Junior y sus interacciones con su abuela paterna, quien le brinda el afecto y comprensión que su madre no puede darle, la directora construye un relato íntimo y universal sobre la aceptación, el amor maternal y la lucha por la identidad personal en una sociedad llena de prejuicios y limitaciones económicas. Una escena clave en “Pelo Malo” ocurre cuando Marta, en un momento de desesperación y frustración, decide rapar el cabello de Junior como una forma drástica de “solucionar” su obsesión por alisarlo. Esta escena es particularmente impactante y significativa porque representa un punto de quiebre en la relación madre-hijo. Mientras Marta corta el cabello de Junior, la tensión es palpable; el acto se convierte en un símbolo de poder y control, pero también de la incapacidad de la madre para aceptar y comprender a su hijo. El momento está cargado de violencia emocional, aunque la acción sea aparentemente simple. La expresión de Junior, mezcla de resignación y dolor, contrasta con la determinación casi mecánica de su madre. Esta escena encapsula los temas centrales de la película: la lucha por la identidad personal, el conflicto entre el deseo de individualidad y las expectativas sociales, y el complejo vínculo entre madre e hijo cuando se ve desafiado por prejuicios y miedos sociales. El corte de cabello se convierte en una metáfora poderosa sobre cómo la sociedad intenta “corregir” lo que considera diferente o inaceptable.

“El futuro perfecto” es una película dirigida por Nele Wohlatz, una cineasta alemana radicada en Argentina. Estrenada en 2016, esta obra mezcla elementos de drama y coming-of-age para contar la historia de Xiaobin, una joven inmigrante china de 17 años que llega a Buenos Aires.
La trama sigue a Xiaobin mientras aprende español y se adapta a su nueva vida en Argentina. A través de su experiencia, la película explora temas profundos como la identidad, la adaptación cultural y los desafíos de aprender un nuevo idioma en un entorno desconocido.
Wohlatz emplea un estilo único que fusiona elementos documentales con ficción, utilizando un enfoque minimalista que a menudo incorpora toques de humor. La película se destaca por su innovadora estructura narrativa, jugando con el tiempo y las posibilidades al mostrar diferentes versiones del “futuro” de Xiaobin basadas en su dominio del español.
“El futuro perfecto” aborda de manera original la experiencia del inmigrante, explorando cómo el lenguaje moldea nuestra percepción y experiencia del mundo, y cómo afecta nuestras posibilidades de futuro. Esta aproximación creativa le valió reconocimiento en varios festivales de cine, incluyendo el premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Locarno.
A través de la historia de Xiaobin, Wohlatz ofrece una mirada única y reflexiva sobre los desafíos y las posibilidades que surgen al navegar entre culturas e idiomas.
La cámara en “El futuro perfecto” de Nele Wohlatz observa a Xiaobin y su entorno de una manera que refleja y amplifica la experiencia de migración y extrañamiento de la protagonista. La mirada de la cámara hacia Xiaobin es predominantemente distante y observacional. Esto crea un paralelo visual con la sensación de desarraigo que experimenta Xiaobin. La cámara a menudo la encuadra en planos amplios, ubicándola como una figura pequeña dentro de espacios más grandes, lo que enfatiza su sensación de estar fuera de lugar en este nuevo entorno.
En cuanto a los espacios que Xiaobin habita, la cámara los presenta de manera que acentúa su cualidad de extrañeza y novedad. Los encuadres suelen ser estáticos y cuidadosamente compuestos, permitiendo que el espectador observe estos espacios como lo haría Xiaobin: con una mezcla de curiosidad y desconcierto. Esta técnica visual ayuda a transmitir la sensación de estar navegando un mundo nuevo y a veces desconcertante.

“Sigo Siendo” es un documental musical que celebra la diversidad cultural del Perú a través de sus artistas y tradiciones musicales. Retrata a músicos reconocidos y emergentes, explorando géneros como la música andina, afroperuana, amazónica y criolla. El filme destaca el papel de la música en la preservación de la identidad y memoria histórica peruana, combinando actuaciones en vivo con entrevistas personales. Aborda temas como la migración y la globalización, examinando su impacto en las tradiciones musicales. Enfatiza la importancia de la transmisión oral en la continuidad cultural, ofreciendo una mirada íntima a las vidas de los músicos y sus comunidades, lo que lo convierte en una celebración profunda de la riqueza musical del Perú.

Sigo Siendo muestra cómo el movimiento de personas desde áreas rurales a urbanas ha influido en la evolución de la música tradicional. Los artistas llevan consigo sus raíces musicales a las ciudades, donde se mezclan con otros estilos, creando nuevas formas de expresión. El documental musical tambien destaca cómo la globalización ha abierto nuevas oportunidades para que los músicos peruanos alcancen audiencias internacionales, promoviendo su cultura a nivel mundial.

El documental muestra escenas que reflejan la fusión de diferentes tradiciones musicales peruanas, como la mezcla de ritmos andinos con influencias afroperuanas o amazónicas. Estas escenas podrían ilustrar cómo los diferentes géneros musicales se entrelazan, creando nuevas expresiones culturales que son producto del mestizaje. Al celebrar la diversidad musical como parte integral de la identidad peruana, puede fortalecer un sentido de orgullo nacional basado en la riqueza cultural.

“Nostalgia de la luz” es un documental que entrelaza tres historias aparentemente dispares en el desierto de Atacama en Chile: la búsqueda astronómica del pasado del universo, la investigación arqueológica de la historia humana antigua, y la búsqueda de los restos de las víctimas de la dictadura de Pinochet. El documental explora cómo los astrónomos utilizan los observatorios en el desierto de Atacama para estudiar el pasado del universo debido a la claridad excepcional del cielo nocturno. Se muestra cómo los arqueólogos estudian los restos prehistóricos en el desierto, incluyendo momias y artefactos antiguos. El filme aborda el doloroso pasado de Chile durante la dictadura de Pinochet, centrándose en las mujeres que buscan los restos de sus seres queridos desaparecidos en el desierto. Guzmán reflexiona sobre cómo el pasado sigue presente en nuestras vidas, ya sea en forma de luz estelar, restos arqueológicos o memorias personales. Este documental no solo informa, sino que transforma la perspectiva del espectador sobre el tiempo, la memoria y nuestra relación con el pasado. Es una obra que se queda con uno mucho después de que termina, invitando a múltiples visualizaciones y reflexiones continuas. En mi opinión, “Nostalgia de la luz” es un logro cinematográfico excepcional que merece ser visto y estudiado ampliamente. Es un testimonio del poder del cine documental para iluminar, conmover y transformar nuestra comprensión del mundo y de nosotros mismos.

"La Llorona" es una película de terror guatemalteca de 2019 que reinterpreta la leyenda de "La Llorona", una mujer que supuestamente llora por sus hijos muertos. En la película, un ex dictador guatemalteco enfrenta juicios por crímenes de guerra y genocidio. Mientras está retirado y aislado en su mansión, la familia experimenta fenómenos sobrenaturales que parecen estar relacionados con los horrores del pasado del dictador. La película explora temas como la memoria histórica, el trauma y la culpa, mientras presenta una versión contemporánea de la icónica leyenda latinoamericana. La película recibió elogios de la crítica por su atmósfera tensa y su perspectiva política.
La película explora temas como la memoria histórica, el trauma y la culpa, presentando una versión contemporánea de la icónica leyenda latinoamericana. La crítica elogió la tensión atmosférica de la película y su perspectiva política.
En lo personal yo soy fanatica de las historias de terror. Y desde muy pequeña "la Llorona" es una leyenda contada por nuestros ancestros. 
Lo triste es que relata de la tristeza de una madre al perder sus hijos. 
Una esena de la pelicula más perturbadora ocurre cuando la nueva sirvienta, Alma, llega a la mansión. Durante la noche, el sonido de un llanto de mujer resuena por toda la casa. La cámara sigue a Alma mientras ella camina por los pasillos oscuros, buscando el origen del sonido. La tensión aumenta a medida que se acerca a una habitación donde el agua comienza a filtrarse por debajo de la puerta.
Cuando Alma abre la puerta, se encuentra con una visión aterradora: la habitación está completamente inundada, como si fuera un estanque profundo. En el agua flota el cuerpo de una mujer de cabello largo y oscuro, vestida de blanco - la manifestación de La Llorona. La imagen es inquietante y sobrenatural, mezclando el horror con un simbolismo poderoso relacionado con la culpa y los crímenes del pasado.

La historia se centra en una joven llamada Sonia, quien vive en una comunidad zapatista. Sonia está comprometida para casarse con Miguel, un hombre del pueblo, pero ella está enamorada de Julio, un joven insurgente zapatista. Este triángulo amoroso genera tensiones entre la tradición y los deseos personales, ya que su matrimonio arreglado representa una norma cultural y social importante en la comunidad.”Corazón del tiempo” es una película mexicana estrenada en 2008. La historia se desarrolla en una comunidad indígena zapatista en Chiapas, México. La trama gira en torno a una joven llamada Sonia, quien se enfrenta a un conflicto entre las tradiciones de su comunidad y sus deseos personales. La película explora temas como las costumbres indígenas, los roles de género, el amor y los cambios sociales en las comunidades zapatistas. Muestra la vida cotidiana en la comunidad y los desafíos que enfrentan sus habitantes. El director Alberto Cortés presenta una mirada íntima a la cultura y las luchas de los pueblos indígenas en Chiapas, mezclando elementos de drama y romance con un trasfondo político y social. La película fue reconocida por su representación auténtica de la vida en las comunidades zapatistas y por abordar temas complejos de manera sensible. Me facino la pelicula por el paisaje y cultura que muestra las raices indigenas. Viniendo de raices mexicanas, yo me puedo indentificar con la pelicula ya que tengo familia en mexico que a pasado por situaciones similares.

La película se centra en una pareja aymara, Willka y Phaxsi, que narra su existencia diaria mientras esperan el regreso de su hijo de la ciudad. La narrativa explora varios temas, incluido el envejecimiento, la soledad, las tradiciones culturales. La película es reconocida por su impresionante cinematografía, que muestra el impresionante paisaje andino.”Wiñaypacha” tiene un valor cultural significativo por su representación auténtica de la cultura y el idioma indígena aymara. La película marca el debut como director de Oscar Catacora, quien tiene herencia aymara. Es elogiado por su descripción genuina de la vida andina y su enfoque narrativo sutil pero impactante. La película ofrece una ventana a la vida de una pareja de ancianos en un entorno aislado y desafiante, capturando de manera efectiva la esencia de su cultura y las dificultades que enfrentan. La tragedia culmina con la muerte de Willka, dejando a Phaxsi sola. A lo largo de toda la historia, su hijo nunca regresa de la ciudad, aumentando su sensación de abandono y aislamiento.El título “Wiñaypacha” se traduce del aymara como “eternidad” o “tiempo eterno”. El “tiempo eterno” refleja la sensación de inmovilidad y espera interminable que enfrentan los protagonistas, atrapados en un ciclo constante de soledad, abandono, y resistencia. El título encapsula tanto el sufrimiento como la perseverancia de los personajes en un entorno inmutable que parece trascender el tiempo humano. En “Wiñaypacha”, la conexión con la tierra y la naturaleza es central y se representa como una parte esencial de la vida de Phaxsi y Willka. El paisaje andino, con su vastedad y dureza, no solo es el entorno donde viven, sino también un reflejo de su estado emocional y espiritual. La tierra es tanto su fuente de sustento como un símbolo de su identidad cultural, profundamente ligada a la cosmovisión aymara. 

La película sigue sus encuentros con Karamakate, un chamán amazónico y último sobreviviente de su tribu, quien los guía en busca de una planta sagrada con propiedades curativas, la yakruna. “El abrazo de la serpiente” explora temas como la destrucción cultural, la espiritualidad, la naturaleza y el impacto del colonialismo en las comunidades indígenas de la Amazonía. La película es conocida por su poderosa narrativa, su impresionante fotografía en blanco y negro, y su enfoque respetuoso y reflexivo hacia las culturas indígenas.

The Darker Side Of Western Modernity

“The Darker Side of Western Modernity: Global Futures, Decolonial Options” by Walter Mignolo explores the idea that Western modernity, often celebrated for its advancements in science, technology, and culture, has a darker side rooted in colonialism, exploitation, and the marginalization of non-Western cultures. Mignolo argues that the global spread of Western modernity has imposed a Eurocentric worldview, leading to the suppression and erasure of indigenous knowledge and traditions.

The book introduces the concept of “decoloniality,” which seeks to challenge and dismantle the dominance of Western modernity by reclaiming and revitalizing local and indigenous ways of knowing and being. Mignolo advocates for a pluriversal approach—an acceptance of multiple worldviews and ways of life—as opposed to the universalism promoted by Western thought. He calls for a rethinking of global futures that includes voices and perspectives that have historically been silenced or marginalized.

Overall, Mignolo’s work is a critical examination of how modernity is intertwined with coloniality and a call to action for decolonizing knowledge and power structures in order to create more equitable and inclusive global futures.